No fue el único en hacerlo sin inscribirse completamente en la tendencia conceptual, pero Giovanni Anselmo (Borgofranco d’Ivrea, 1934–Turín, 2023) no trabajó tanto con materiales como con el espacio, el tiempo, la orientación, los campos magnéticos o las fuerzas gravitacionales de la Tierra.
Por edad, y también por adhesión propia, pertenecía a la generación de los sesenta, cuando en los círculos creativos se experimentaba una atmósfera de cambio que anunciaba la llegada de una contemporánea forma de humanismo derivada del agotamiento del paradigma determinista que había marcado la cultura en Occidente más de un siglo. Durante esa década, nacieron una serie de manifestaciones artísticas que pusieron en cuestión la idea racionalista de progreso para buscar nuevas formas de expresión: nociones como las de inestabilidad, aleatoriedad, indeterminación o interdependencia comenzaron a escucharse más y más y a permear todas las disciplinas plásticas. Además, para esta hornada de creadores, el arte se convirtió en una herramienta poderosa destinada a apreciar, medir y comprender el paisaje; también a conformarlo.
Esto implicaba creencias hoy bastante asumidas, como que la contemplación podía sustituirse por la experiencia, que las obras no debían ser consideradas con independencia respecto a su entorno, y que era más importante la interacción entre los elementos que su sustancia autónoma. La creación de Anselmo se asentó sobre estos postulados estéticos.
El italiano inició su andadura con la práctica del dibujo y la pintura al óleo, pero, tan pronto como en 1965, decidió abandonar esas técnicas tras un momento iluminador: experimentó la disolución de su “propia sombra en el infinito” en la cima del volcán Estrómboli, tal y como quiso documentar en una celebre instantánea. Tomó conciencia en ese instante de ser parte de un ingente universo en transformación continua y, desde entonces, renunció a la idea de representación y buscó la presentación de la realidad a través de los materiales y las acciones que pudieran surgir.
Giovanni Anselmo. Sin título (El algodón empapado se arroja contra el cristal y ahí permanece), 1968. The Sonnabend Homem Collection
Sus esculturas tras aquella caída del caballo evidenciaron una de sus inquietudes clave: desafiar la idea de estructura fija. Es el caso de una fina barra de hierro, sin título y de 1966, que, aun manteniéndose en pie, desvela su inestabilidad a la mínima vibración. Así, Anselmo conseguía resistirse a la cristalización de sus piezas en una sola imagen u objeto estático, pues las convertía en espacios de encuentro abiertos a la interacción permanente con los espectadores que las contemplan o con las fuerzas de su entorno. Al poner de manifiesto la energía a través de su misma acción, lograba presentar la realidad.
Estas obras primeras lo convirtieron en un referente esencial del grupo povera cuando surgió por primera vez en Italia a finales, precisamente, de la década de 1960. Giovanni Anselmo, en realidad, se encontraba apenas comenzando una carrera que iba a esquivar etiquetas, porque, aunque fuera afín a reflexiones artísticas de su tiempo, consolidó a lo largo de varias décadas un corpus artístico propio al margen de tendencias.
Giovanni Anselmo. Torsión (Torsione), 1968. Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Fondazione Guido ed Ettore De Fornaris, Turín
Giovanni Anselmo. Interferencia en la gravitación universal, 1969-2016. Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli-Torino, préstamo de la Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT
Desde mediados de esos mismos sesenta, sus obras derivaron del análisis del orden de las cosas y del ciclo de los fenómenos naturales, en relación inmediata con el mundo real. Configuraba obras para abordar, de manera clara y poética, condiciones y relaciones físicas fundamentales, como la equivalencia entre la masa y la energía o la precariedad del equilibrio, a través de objetos y materiales reales, ya existentes, que revelan una evidente dualidad: en el mundo y en la naturaleza existe una parte física y otra parte invisible que actúa y que se manifiesta a través de la acción. Invocaba Anselmo energías inmateriales pero universales, como la gravedad, para alumbrar piezas que tienden puentes entre nuestro entendimiento de un cosmos infinito y nuestra experiencia cotidiana e individual del aquí y ahora. Así, en Sin título (Estructura que come), de 1968, la caída de un bloque de granito a causa de la descomposición de una lechuga pone de relieve una de las formas de transformación de la energía natural, además de revelar la fuerza de la gravedad y aludir al transcurso del tiempo.
Anselmo se vale, igualmente, de otra clase de tiempo: el milenario que se evidencia en el movimiento y en la transformación material. En Trescientos millones de años (1969) nos ofrecía una pieza ejecutada con antracita, una chapa y una lámpara con cuyo calor pretendía hacernos retroceder en el tiempo para favorecer que el fragmento petrificado vuelva a su vida de hace, como reza el título, trescientos millones de años.
Giovanni Anselmo. Dirección (Direzione), 1967–1968. Centre Pompidou, París
Giovanni Anselmo. Dirección (Direzione), 1967–1968. Tate, Londres
Con su tratamiento de la orientación se relacionan trabajos como Dirección (1967–1968), cuya brújula, inserta en un bloque de granito cortado en forma de triángulo, apunta al norte. Ese bloque de granito, uno de los materiales más antiguos y duraderos, está, para Anselmo, bañado de energía latente y fuerzas invisibles; la pieza no se limita al espacio físico que ocupa, sino que la brújula nos conduce hacia los campos magnéticos y los polos indicados por su aguja. Otras de sus obras, además, examinan la fuerza de la gravedad, como dos bloques de piedra suspendidos en equilibrio sobre un lienzo con cables de acero.
Desde los setenta, el lenguaje se hizo fundamental en su producción. Mediante la proyección, en haces de luz, de palabras como detalle, todo, visible o infinito sobre diferentes lugares -las paredes, el suelo de una galería, el techo, las esquinas, una tubería, un rodapié o la propia figura de los visitantes- se evidencia que esos términos sólo adquieren sentido cuando se topan con un cuerpo material, que nos señala que el mundo está labrado de detalles o que algo puede ser aparentemente invisible, aunque exista.
La complejidad de sus planteamientos se ve intensificada en propuestas como Entrar en la obra (1971) o El panorama con mano que lo indica (1984). La primera evidencia el deseo del artista de estar realmente dentro de la obra de arte y experimentarla como un lugar concreto, más que como un objeto ajeno a él, mientras que la última nos apela como público, sugiriéndonos una toma de conciencia sobre nuestra forma de mirar y percibir.
Giovanni Anselmo. Invisible (Invisibile), 1971. Colección del artista, Turín
Giovanni Anselmo. Panorama con mano que lo indica, 1982-1984. Colección CGAC, Santiago de Compostela
BIBLIOGRAFÍA
Giovanni Anselmo: más allá del horizonte. Museo Guggenheim Bilbao, 2014